IndieWire's Filmmaker Toolkit: 'I Know What You Did Last Summer' Director Jennifer Kaytin Robinson

Der Podcast „IndieWire’s Filmmaker Toolkit“ präsentiert in dieser Episode ein Gespräch mit Jennifer Kaytin Robinson, der Regisseurin und Co-Autorin des Reboots des Slasher-Klassikers „Ich weiß, was du letzten Sommer getan hast“ (Originaltitel: „I Know What You Did Last Summer“). Im Interview mit Jim Hemphill, Features Writer bei IndieWire, spricht Robinson über den kreativen Prozess hinter der Neuinterpretation des Horrorfilms, die Integration der Originalbesetzung und die Balance zwischen Horror und Komödie. Sie beleuchtet zudem den Einfluss von Steven Spielbergs „Der weiße Hai“ auf ihren Sommer-Thriller und gibt Einblicke in die Herausforderungen und Entscheidungen bei der Produktion eines „Requels“ (Reboot-Sequel). ### 1. Neuinterpretation des Slasher-Klassikers Jennifer Kaytin Robinson habe das Ziel gehabt, den „Original Sin“ des Films beizubehalten, aber die Charaktere zu altern und große „Swings“ mit den „Legacy Characters“ zu wagen. Sie habe den Film aus der Perspektive angegangen, wie Moral und Verantwortlichkeit heute aussehen würden, um eine moderne Geschichte zu erzählen, die sich dennoch wie eine „Zwillingsflamme“ zum Original von 1997 anfühle. Jim Hemphill lobt, dass dies in einem „unglaublich unterhaltsamen, luftigen, lustigen Paket“ gelungen sei. ### 2. Tonale Balance und kommerzieller Anspruch Robinson beschreibt den Ton des Films als sehr persönlich, da alle ihre Filme einen gewissen „Wink“ hätten. Sie wolle Geschichten erzählen, die dunklere Themen wie Trauma behandeln, aber gleichzeitig eine „Kommerzialität“ und „Popcorn-Ness“ besäßen. Ihr Ziel sei es gewesen, den Film so unterhaltsam wie möglich zu gestalten, damit auch sie selbst Spaß beim Machen habe, was sich hoffentlich auf die Leinwand übertrage. Sie habe eine „Sleepover-Scary“-Atmosphäre schaffen wollen, die als „Gateway Drug“ für Horrorfilme diene. ### 3. Integration der Originalbesetzung Ein zentrales Element des Reboots sei die sinnvolle Integration der Originaldarsteller:innen Jennifer Love Hewitt, Freddie Prinze Jr. und Brandy. Robinson habe frühzeitig Gespräche mit ihnen geführt, um sicherzustellen, dass ihre „großen Swings“ mit den Charakteren auf Zustimmung stießen. Besonders hervorgehoben wird die Rolle von Freddie Prinze Jr. als einer der Bösewichte, was als „sehr plausibel“ und nicht als bloßer „Gimmick“ beschrieben werde. Auch Sarah Michelle Gellar sei auf eine „brillante“ und „gerechtfertigte“ Weise eingebunden worden, wobei ihre Marketing-Aussagen als „Misdirect“ dienten, ohne zu lügen. ### 4. Visueller Stil und Drehorte Das Team habe einen „immergrünen“ Look angestrebt, der „Americana“-Gefühle vermittle, mit lebendigen, aber nicht übersättigten Farben. Der Film solle sich „zeitlos“ anfühlen und nicht sofort als „2025“ erkennbar sein, indem er Referenzen aus den 70er- bis 90er-Jahren nutze. Die Dreharbeiten in Sydney, Australien, dienten als Double für North Carolina, was aufgrund eines Steuerguthabens und der Möglichkeit, eine „idealisierte, idyllische Küstenstadt“ zu schaffen, gewählt worden sei. Die „Gentrification von Southport“ sei dabei ein „grundlegendes“ Element der Geschichte gewesen. ### 5. Herausforderungen im Schnitt und Publikumsengagement Der Schnittprozess sei entscheidend gewesen, um die perfekte Menge an Informationen zu enthüllen und das Publikum zu fesseln. Robinson und Editorin Cyra Hayter hätten hart daran gearbeitet, die richtige Balance zu finden, um weder zu viel noch zu wenig preiszugeben. Angesichts der kurzen Aufmerksamkeitsspanne im Zeitalter von Social Media sei es eine „delicate dance“ gewesen, das Publikum engagiert und rätselnd zu halten. Testvorführungen und Feedback von Freund:innen und Familie seien unerlässlich gewesen, um die Wirkung des Films auf das Publikum zu beurteilen, da die Macher:innen selbst die Spannung nicht mehr empfinden könnten. ## Einordnung Dieses Interview mit Jennifer Kaytin Robinson bietet einen tiefgehenden Einblick in die kreativen und produktionstechnischen Überlegungen hinter dem Reboot von „Ich weiß, was du letzten Sommer getan hast“. Der Podcast ist klar als brancheninternes Gespräch konzipiert, das sich an Filmfans und angehende Filmschaffende richtet. Jim Hemphill agiert als sachkundiger und wohlwollender Interviewer, der gezielte Fragen stellt, die Robinson ermöglichen, ihre Entscheidungen detailliert zu erläutern. Die Diskussionskultur ist offen und kooperativ, wobei Robinson ihre Argumente schlüssig darlegt und ihre künstlerischen Visionen transparent macht. Es werden keine kontroversen politischen Inhalte besprochen, daher liegt der Fokus der Analyse auf der Qualität der filmischen Diskussion. Die Argumentationsweise Robinsons ist durchweg kohärent; sie begründet ihre kreativen Entscheidungen, von der Tonalität über das Casting bis hin zum visuellen Stil, stets mit Blick auf die narrative Kohärenz und die gewünschte Zuschauer:innenreaktion. Es wird deutlich, dass der Film trotz seines kommerziellen Anspruchs mit viel Bedacht und Liebe zum Detail konzipiert wurde. Eine kritische Distanz des Interviewers zu den rein werblichen Aspekten des Films ist zwar nicht explizit vorhanden, wird aber durch die Tiefe der Fragen zur Handwerkskunst und den Herausforderungen des Filmemachens ausgeglichen. Der Podcast reproduziert die hegemoniale Perspektive der Filmindustrie, indem er sich auf die Erfolgsfaktoren eines kommerziellen Horrorfilms konzentriert, ohne alternative Filmmodelle oder kritische gesellschaftliche Reflexionen über das Genre hinaus zu thematisieren. Dies ist jedoch dem Format und Thema geschuldet und keine Schwäche im Kontext des Podcasts. Hörempfehlung: Diese Episode ist eine ausgezeichnete Wahl für alle, die sich für den Prozess des Filmemachens, insbesondere im Horror-Genre und bei Reboots, interessieren und detaillierte Einblicke in die kreativen Entscheidungen einer Regisseurin erhalten möchten.